Natacha Atlas - Mounqaliba 2010. Su mejor disco y el mas acústico. Hecho a medias con Samy Bishai que lo borda al piano y con los arreglos. No juzguéis el disco por la portada.



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Mounqaliba: En un Estado de Inversión(Cambiar, sustituyéndolos por sus contrarios, la posición, el orden o el sentido de las cosas).

Definitivamente la cantante de origen belga Natacha Atlas se ha escorado hacia los sonidos acústicos, dejando de lado los más electrónicos y technos que fueron los que, hace ya años, el llevaron a la fama. Cabe pensar que esta deriva tiene mucho que ver con su actual residencia en Egipto, donde está desarrollando el grueso de su último trabajo, a pesar de que este disco se haya grabado en Londres.
Natacha Atlas ha desarrollado una suerte de sonido pan-árabe que no le impide introducirse en el repertorio de cantantes como Nick Drake, del que hace una hermosa versión de “River man”, donde canta algunos versos en árabe; y de sumergirse en un par de canciones de François Hardy. Pero salvo estas tres excepciones los otros quince temas restantes son obra de la propia Atlas en compañía de Samy Bishai, el pianista y productor del disco.
Aunque a lo largo del disco se intuye un intento de fusionar las culturas musicales de Occidente y Oriente, donde “Batkallim” podría ser el epítome de ello con un piano jazzy y una suntuosa orquesta, el resultado final del disco tiende a ser una música con una inmersión muy acentuada en los sonidos norteafricanos. Hay que señalar que el disco está trufado de pequeños interludios hablados entre los que se puede reconocer a Barack Obama.
Mounqaliba” significa, en árabe clásico, algo así como “estado de inversión”, pero en este caso la cantante no se refiere tanto a su propio desarrollo profesional y vital, como a la situación del mundo actual.
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Natacha Atlas es un pequeño mito dentro de la música actual. Se trata de una cantante entrañable e internacionalista que, durante los últimos diez años, se ha movido en las aguas del etno-techno cantando, apasionadamente, en francés, inglés y árabe. Alabada por el underground y por la crítica, Atlas se ha ido forjando un cancionero popular para todo tipo de audiencias de aquí y de allí, sin por ello renunciar a la investigación y a la mezcla de lenguajes musicales.

Natacha Atlas nació en Bélgica, aunque lo hizo en el seno de una familia con un linaje tan multicultural como su música de espíritu nómada. Marruecos, Egipto, Palestina y las tradiciones cristiana, árabe y judía salen a colación al repasar su código genético personal y artístico, que remite al barrio marroquí de Bruselas donde creció influenciada por la cultura árabe. Natacha llegó a cantar en clubes árabes y turcos de la capital belga y formó parte de una banda latina llamada Mandanga.

La primera noticia de Atlas en el mundo de la música fue como cantante de un club llamado !Loca¡, donde se introdujo en el círculo de Jah Wobble, cantando y co-escribiendo para sus recién formados Invaders of the Heart. También conoció a Transglobal Underground, el colectivo multicultural londinense que se han convertido a la larga en visionarios del fenómeno “world dance” mezclando electrónica, dub, hip-hop y funk con formas musicales provenientes de India, África y Oriente Medio. Al principio como invitada en 1991, se convirtió en miembro del cuarteto vocal en 1993, como cantante principal y bailarina del vientre (el verdadero raq sharki).


Un par de años después, fue la banda de Tim Whelan, Hamid ManTu y Nick Page (Count Dubulah, ahora Temple of Sound) quienes la ayudaron en su disco en solitario, Diaspora, publicado en 1995 en Mantra Records. Su disco Halim de 1997 fue la continuación, y más tarde Gedida de 1999, en ambos la inteligente y natural mezcla de estilos orientales y europeos a un mismo tiempo, deleita e incrementa el número de oyentes en ambos continentes. Paralelamente, aparte de su éxito en solitario, era miembro permanente de Transgrobal Underground, y la propia banda hacía de su banda de acompañamiento hasta 1999, aunque han seguido siendo aliados a lo largo de sus carreras.

En 2001 publica Ayeshteni, año en el que fue elegida embajadora honorífica en la conferencia contra el racismo de la ONU: “Ella personaliza el mensaje de que hay fuerza en la diversidad, que nuestras diferencias, ya sean étnicas, raciales o religiosas, son una fuente de riqueza más que de amenaza”. En 2003 publica un nuevo disco en solitario Something Dangerous, donde Natacha mezcla con sabiduría las músicas de Oriente Medio con la esencia del pop británico, la música de baile, rap, drum’n’bass, R&B, música cinematográfica y canción francesa. Con su último trabajo, Mish Maoul de 2006, Natacha Atlas vuelve a sus orígenes, álbum producido por Temple of Sound y enfocado a los aires del Magreb y Oriente Próximo, en el que Natacha aliña su voz evocadora con ecos de Bollywood, bossa y barnices de trip-hop y electrónica downtempo. Un ejercicio de, según definición propia, “música arábiga periférica”.



Louai Alhenawi     Composer, Ney, Vocals (Background)
Joseph Aquilina     Vocals (Background)
Jon Astley     Mastering
Natacha Atlas     Arranger, Composer, Primary Artist, Producer, Sound Design, Vocals (Background), Voices
Rhys Barker     Assistant Engineer
Julia Biel     Engineer
Samy Bishai     Arranger, Beats, Composer, Mixing, Piano, Producer, Programming, Sound Design, String Arrangements, Viola, Violin, Vocals (Background)
Ian Burdge     Cello
Glen Campling     Graphics
Paul Castle     Engineer, Mixing, Vocals (Background)
Nicholas Rodney Drake     Composer
Mandy Drummond     Viola
Dr. Eser Ebçin     Accordion, Composer, Engineer, Qanoun, String Arrangements, Vocals, Vocals (Background)
Julian Ferraretto     Violin
Anil Göçen     String Arrangements
Vince Green     Viola
Andy Hamill     Chromatic Harmonica, Composer, Double Bass
Françoise Hardy     Composer
Rueben J. Hollebon     Engineer
Ivan Hussey     Cello
Pat Illingworth     Drums
Danny Keane     Cello
The Kemper String Orchestra of Istanbul     Strings
Oli Langford     Viola
Martin Lissola     Violin
Jennymay Logan     Violin
Gillian Maguire     Violin
Oz McGuire     Design
Alcyona Mick     Composer, Piano
Aly El Minyawi     Percussion, Vocals (Background)
Khaled Mouzanar     Composer
Jocelyn Pook     Viola
The Rahbany Brothers     Inspiration
Zoe Rahman     Piano
Hege Saebjornsen     Photography
Emma Smith     Violin
Joanne Sysum     Make-Up
Tony Tancredi     Hair Stylist
Traditional     Composer
Tim Whelan     Composer


1. Natacha Atlas - Intro (0:55)
2. Natacha Atlas - Makaan (4:27)
3. Natacha Atlas - Matrah Interlude (1:00)
4. Natacha Atlas - Bada Al Fajr (2:01)
5. Natacha Atlas - Muwashah Ozkourini (3:43)
6. Natacha Atlas - Riverman (5:39)
7. Natacha Atlas - Batkallim (5:57)
8. Natacha Atlas - Mounqaliba (3:39)
9. Natacha Atlas - Le Cor, Le Vent (3:43)
10. Natacha Atlas - Direct Solutions Interlude (1:38)
11. Natacha Atlas - Lahazat Nashwa (3:04)
12. Natacha Atlas - La Nuit Est Sur La Ville (3:35)
13. Natacha Atlas - Fresco's Interlude (2:08)
14. Natacha Atlas - Ghoroub (2:24)
15. Natacha Atlas - Evening Interlude (1:09)
16. Natacha Atlas - Taalet (3:11)
17. Natacha Atlas - Egypt Interlude (2:13)
18. Natacha Atlas - Nafourat El Anwar (2:57)

Amine & Hamza, Boston String Quartet - Perpetual Motion 2011. Música árabe contemporánea de esa que te engancha y no te deja oír otra cosa. Esencia pura de belleza, esencia de las noches fenicias del mediterráneo.



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(Traducido automáticamente del ingles con google)
Amina y Hamza, dos hermanos de Túnez, se celebran en todo el mundo como genios en sus instrumentos orientales, el oud, un laúd de cuello corto y el Kanun, una cítara. Después de haber entrenado con los grandes maestros en Túnez, Marruecos y Turquía, grabaron su primer disco a la edad de 16 y 17, respectivamente, y cinco más fueron a seguir.
Movimiento perpetuo es sin duda su obra maestra. Ellos mismos llaman "una nueva visión del mundo de la música contemporánea que trata de romper las fronteras y barreras." En sus nuevos trabajos clasicismo moderno árabe se encuentra con el oeste de clasicismo moderno del Cuarteto de cuerdas Boston, con las composiciones de filigrana dejan un amplio margen para la improvisación.
Este maravilloso proyecto se enriquece con los clientes exquisitos: las piezas lentas la voz flotando clara de Maroua de Túnez en el estilo de blues del desierto, además de músicos virtuosos de la guitarra flamenca, el sonido terroso caliente de una flauta y percusiones orientales.

Amine & Hazma

El tunecino musicólogo Abd Ltfi Ben Brahim escribió acerca de este proyecto:
"Las cuerdas de laúd de Amine y del Kanun de Hamza que trabajar juntos y nos invitan a un viaje trascendental durante el cual el recuerdo aún vivo de la herencia oriental se mezcla con el ímpetu de fuego del presente.
Estos brazos en un movimiento perpetuo, en el ritmo de un latido dictada por el aliento de la vida, con sus pasiones, sus silencios, sus tentaciones seductoras.
Un viaje que despierta todos los sentidos, que exudan el aroma de jazmín o esbozar los arabescos de la arquitectura morisca.
El cuarteto de cuerdas de soporte de la línea melódica forma un puente entre Oriente y Occidente:. Una invitación a convivir en un mundo multicultural mejor "
A nuestro amigo y maestro, nuestra inspiración eterna, y sobre todo para el padre que está delante de nosotros nuestra disputas musicales nunca terminan! Amine y Hamza
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Tunecino hermanos y Amina Hamza M'raihi, que tocan el laúd y qanun (cítara), respectivamente, son veteranos experimentados musicales bien versados ​​en la tradición árabe clásico. Pero su curiosidad le ha llevado a seguir una visión del mundo de la música contemporánea que, según afirman, "los intentos de romper las fronteras y barreras." Perpetual Motion salió el año pasado, pero probablemente no ha oído hablar de él, ya que se trata de sin que el valor de marquesina de proyectos en todo el mundo de música conectados a estrellas como Paul Simon, Peter Gabriel y Sting. Experimentos de este tipo suelen tener resultados mixtos, especialmente cuando las estrellas de diferentes culturas son lanzados juntos en una especie de formato de jam-band con algunas pautas y el tiempo de ensayo limitado. Pero este esfuerzo realizado plenamente no tiene esos problemas o deficiencias. Los hermanos M'raihi son el foco principal instrumento largo, qanun de Hamza trayendo un sonido brillante similar a la versión Europea oriental de instrumento, aunque aquí se despluma y tocaba más que lo golpearon con martillos. Se combina muy bien con el, más oscuro sonido más profundo de oud de Amine. Para embellecer las pistas individuales, los hermanos se alistaron un puñado de expertos, músicos simpáticos en la voz, guitarra, clarinete, flauta, percusión, y el cuarteto de cuerda Boston, organizado por el pianista polaco Nikola Kollziejczyk. Él usa las cuerdas eficaz - incluso drásticamente, a veces - pero siempre en un papel de apoyo, proporcionando apoyo sensible para espumosos melódica oud-qanum interacción de los hermanos M'raihi '. La mezcla es perfecta, sin ningún elemento musical llamar demasiado la atención a sí mismo. Una pieza, "todas las cosas que no lo son," utiliza sólo un violonchelo, y otra, "Túnez Vis-à-vis", emplea a sólo un toque de clarinete, flauta y muda vocal para apoyar línea melódica de Hamza en el qanun. Cuando el cuarteto de cuerdas completa aparece a mitad de camino a través de "My Secret Garden" y "desafió", su entrada es totalmente natural y no forzada. Dos pistas más lentas, "Ya Nari" y "Meni Nessi", utilizan una combinación seductora de juego de improvisación de los hermanos, voces soul de Maroua Kriaa y conjunto inquietante juego de las cuerdas y, en la última pieza, piano. Otra pista, el flamenco de influencia "Omar", el guitarrista Quentin Dujardin da la oportunidad de brillar cuando interacciona con los hermanos.



Amine M’raihi, Ud
Hamza M’raihi, Kanum
Boston String Quartet, Cuerdas
Nikola Kollziejczyk, Piano
Maroua Kriaa, Voz
Quentin Dujardin, Guitarra flamenca



1. Amine & Hamza - Cafe Tunis (6:46)
2. Amine & Hamza - Ya Nari (6:51)
3. Amine & Hamza - Omar (8:59)
4. Amine & Hamza - Meni Nessi (6:02)
5. Amine & Hamza - All the things you are not (8:17)
6. Amine & Hamza - Vis-a-vis Cafe Tunis (3:50)
7. Amine & Hamza - My secret garden (6:32)
8. Amine & Hamza - The challenge (8:10)
9. Amine & Hamza - Perpetual Motion (8:41)

Simon Shaheen And Ali Jihad Racy - Taqasim Improvisation in Arabic Music 1991. Magnifico disco de cuerda árabe.



(Traducido del ingles automáticamente con google)
En el ámbito de la música Instrumental Medio y Cercano Oriente, no muchas personas son capaces de recibir tanta generalizado reconocimiento como el "el mejor", al igual que Simon Shaheen (Ud o Oud), y el libanés nacido Ali Jihad Racy (Buzaq ). Dr. De mordaz ya famosa composición "ANTIGUO EGIPTO" y sus otros logros posteriores han prácticamente redefinido el papel que los estilos y sonidos tradicionales de Oriente Medio pueden tener en la música instrumental contemporánea. Simon Shaheen, también muy activo, artista internacionalmente reconocido maestro y estilista se está convirtiendo en cada vez más reconocido como una fuerza poderosa en el mundo de la música con sus brillantes interpretaciones de la música árabe, tanto como solista y con su grupo. Estos dos músicos maestros, cada uno de los cuales poseen no sólo en el talento creíble y habilidad, pero que también son informados por un vasto conocimiento de los estilos y las tradiciones de la música oriental y occidental, realizan juntos aquí, en un viaje memorable al tradicional instrumento árabe improvesation.



Ali Jihad Racy - Buzuki
Simon Shaheen - Laud

1. Ali Jihad Racy, Simon Shaheen - Maqam Kurd (20:25)
2. Ali Jihad Racy, Simon Shaheen - Maqam Nahawand (13:17)
3. Ali Jihad Racy, Simon Shaheen - Maqam Bayyati (8:55)

Simon Shaheen - Turath (Masterworks Of The Middle East) 1992.



http://www.adrive.com/public/KEVKdV/Simon%20Shaheen%20-%20Turath%20(Masterworks%20Of%20The%20Middle%20East)%20(1992).rar


Simon Shaheen nacio en Tarshiha, la Alta Galilea, Israel en 1955. Es un laudista, virtuoso violinista y compositor arabeisraeli-estadounidense.
Con 2 años, se trasladó con su familia a Haifa, pero pasó la mayor parte de los fines de semana en Tarshiha, su aldea. La familia Shaheen es conocida por su amor a la música, su padre y hermanos se dedican al laúd, el violín o el canto.
Comenzó a tocar el laúd a los 5 años y el violín poco después. Asistió a la Universidad de Tel Aviv, estudiando literatura árabe y música. Más tarde siguió sus estudios en la Universidad Hebrea de Jerusalén. En 1980 emigró a los Estados Unidos a estudiar en la Escuela de Música de Manhattan y en la Universidad de Columbia, llegando a nacionalizarse ciudadano de los EE.UU..
Formó el Near Eastern Music Ensemble, un grupo de  música clásica árabe, y organizó retiros anuales de música árabe y festivales artísticos.
Shaheen, un árabe católico, vive en la actualidad en Nueva York, donde dirige un conjunto árabe llamado Qantara que él mismo formó. Qantara combina la música clásica, eljazz, el pop y la musica occidental con elementos árabes.
En 1994 recibió la beca National Heritage Fellowship from the National Endowment for the Arts.
Además de su trabajo en la música árabe tradicional y clásica, Shaheen ha participado en numerosos proyectos musicales interculturales, como la realización con el productor Bill Laswell, la cantante colombiana Soraya, Henry Threadgill, Vishwa Mohan Bhatt, y con músicos klezmer judíos Los Klezmatics.....



Ney  – Omar Faruk Tekbilek
Qanun – Hassan Ishkut
Tar  – Samir Khalil
Violin, Oud – Simon Shaheen


1. Isma'il Haqqi - Bashraf Farahfaza (5:43)
2. Tanburi Jamil - Sama'I Farahfaza (6:41)
3. Simon Shaheen - Taqasim On Violin (1:35)
4. Riyad al-Sinbati - Longa Farahfaza (3:15)
5. Simon Shaheen & Samir Khalil - Taqasim On The Beat (9:33)
6. Mas'ud Jamil - Sama'i Nahawand (8:16)
7. Simon Shaheen - Tahmilah Suznak (6:22)
8. Ali Jihad Racy - Sama'i Nahawand (6:27)
9. Asdik Agaa - Bashraf Kurd (4:17)
10. Faruk Tekbilek - Taqasim On Nay (1:13)
11. Simon Shaheen - Sama'I Kurd (5:52)

Sabah Fakhri, Wadi Al-Safi, Simon Shaheen & Qantara - Two Tenors & Qantara 2000.




(Traducido del ingles automáticamente con google)
Wadi Al-Safi y Sabah Fakhri son dos de los mejores cantantes de la música árabe del viejo mundo, multi-instrumentista Simon Shaheen Qantara conduce a través de una serie de torsión, revolviendo arreglos. Es una combinación luminosa teoría, aunque no siempre sea un éxito. Shaheen es en ocasiones muy contemporáneo en su acercamiento a prestar realmente la cantantes nada más que un apoyo superficial en este juego en vivo. La tensión, aunque no siempre es evidente, es, sin embargo constantemente a fuego lento. Un acontecimiento histórico con resultados mixtos. ~ Michael Gallucci, All Music Guide Para los amantes de la música, tanto vocal como instrumental árabe clásico, este estado de la CD en directo del arte está obligado a establecer un nuevo estándar. Una rara aparición EE.UU. de la vieja guardia levantina vocal maestros Wadi El Safi (para los fanáticos anglosajones que han puesto al día con las cintas de mala calidad marcados en el argot, también conocido como Wadi Essafi) y Sabah Fakhri, junto con los jóvenes de vanguardia de la orquesta de Galileo león Simon Shaheen, Qantara, el valor de esta noche profundamente satisfactoria de la música fue grabada en Las Vegas, de todos los lugares! Pero no vas a saber que, ya sea del repertorio clásico y musicalmente desafiante o el folleto del CD elegante que permite a los anglos a seguir, junto con la poesía árabe Fuscha / adecuada, presentado con traducciones proporcionadas. Por segundo árabe-americanos o los lingüísticamente ambiciosa generación, las letras siguen en árabe, lo que facilita una experiencia de aprendizaje mientras se deleita con los sonidos. Antes de que se nos presenta a los dos tenores, líneas de violín en espiral de Simon Shaheen se disparan a través de la interacción con su orquesta (en árabe o Arco Arco) ensemble Qantara en su deslumbrante composición "Danza Mediterrania." Usted puede haber oído un violinista en el tejado, pero el exhiliration se eleva considerablemente cuando se tiene un violinista preciso girar éxtasis en un arco ondulado. Shaheen ha pasado la mitad de los años sobre la base de la fértil escena musical de Nueva York como lo hizo el desarrollo de sus profundas reservas de talento en Phalesteen / Israel. Su ahora fuera de impresión grabación oud "Turath / PATRIMONIO" made ​​in Brooklyn, anunció su estética de empina su crecimiento artístico en el Pozo profundo de la música clásica árabe. Sin embargo, Shaheen y sus músicos Qantara notablemente flexibles juegan hasta el más tradicional de melodías con un toque de modernidad. Su curiosidad creativa se oye con frecuencia obtener lo mejor de ellos. Otra Nueva York virtuoso árabe con sede y la fuente de las ideas armónicas es Bassam Saba, originario del Líbano, cuya magia flauta que se escucha aquí alternancia en el instrumento sinfónico, y la variedad tradicional caña árabe, conocido como el nay. Saba ha estado trabajando con un grupo de jazz de Árabe en Nueva York llamado Myriade, cuyo álbum debut "SOUKOUN" cuenta con algunos de los sonidos de forma inesperada calma y tranquila que puntúan propia adhesión exigente y riguroso de Shaheen a maqamaat / modalidades formales árabe. Composición de Shaheen, "Al Qantara / El Arco", tanto en la instrumentación y la recapitulación del tema, une los cerca de esferas armónicas oriental y occidental. Esta transmigración aural es ayudada por la percusión compleja de Jamey Haddad, y el trabajo de la guitarra andaluza de Arturo Martínez, que está muy bien complementado por el propio oud de Shaheen y partes de violín y aires seductores de Saba. Wadi El Safi es conocida como la Voz del Líbano, y su presencia aporta calidez, ingenio y elementos románticos astutos a la noche. Se crió en un pequeño pueblo de montaña libanesa, y trajo una gran cantidad de la tradición popular Lebnani a la gran ciudad de Beirut, donde desarrolló sus habilidades musicales más formales. El Safi tiene un tipo de carisma que no creo que la mayoría de los estadounidenses asocian con la cultura árabe. Es suave, relajado y divertido en un país sin expresión (piensa en Andy Griffith) tipo de camino. Cuando canta "Ya Hilwa / Oh Pretty Girl", se puede casi oír su guiño a través de los altavoces. Su propia canción, ahora se considera una melodía popular serie "Jannaat / Gardens" es un agradable paseo a través de las regiones más encantadoras del Líbano. El Safi reconoce el efecto devastador de la guerra civil y el caos social en su balada redentora de buen humor "Ya Ghayibeen / Oh usted está ausente", y en el movimiento poema / canción de Zaki Nassiph, "Taalu Habaabna / Our Beloved están de vuelta." Abre su conjunto con el alimento muy popular de su repertorio, "Lebnan / Líbano." Sabah Fakhri es más que un tenor virtuoso. Él es un repositorio de vivir de la riqueza de las tradiciones musicales asociados con Haleb o Aleppo, la antigua ciudad fortaleza del norte de Siria. Para tener una idea de las chuletas de Fakhri, ya que están siendo impactados por las ráfagas vocales contorneadas soplando a través de sus altavoces, tener en cuenta que el maestro vocal sirio en realidad tiene el récord mundial Guinness para el non-stop y en el canto oído absoluto, en la hora en más de 13 horas consecutivas. Él no tiene ese tipo de tiempo de ejecución para jugar en este CD, pero tenemos una sección excelente de su vasto y amplio repertorio de muwasheshah (Andalucía o Umayyid religiosa y / o la poesía sensual establecido en la canción) para Mawwal (combate verbal de improvisación sobre los atributos divinos y mortales) a Qadd, un estilo único a Siria y escuchó aquí en la encantadora "Al Rosana." Me hubiera gustado escuchar Fakhri dibujar algo en la tradición sufí Mevlevi por la que se conoce como un investigador reconocido musicológica y erudito. Muchos oyentes occidentales serían más sorprenden al saber que el Islam produjo una tradición espiritual y éxtasis sensual que incluía, en lugar de las mujeres excluidas, y que ha sido reprimida sin piedad en el mundo árabe después de su florecimiento bajo los califas turcos, y en los Países del Norte de África regiones del imperio islámico. Más satisfactoria aquí en este comunicado de Mondo Melodia es la disposición de la tradicional Sabah Fakhri "Qadduka Il-Mayyas/Your contoneándose." 18 piezas de Fakhri (incluyendo coro vocal) ajuste de "Al Lulu Al Mandood / Las magníficamente ubicado Pearls" de Haleb / Aleppo conjunto es maravilla del arreglador. Una vez más, es flutework de Bassam Saba que se levanta de la sección de violines (6 violines), dual cello, mano de percusión de Ahmad Yasser Ousta y Amer Ammouri de spritely oud acompaña tenor bien temperado de Sabah Fakhri en sus profundas inmersiones marinas y arcos y amplios. Este registro debe ser la piedra angular de la colección Árabe cualquier amante de la música del mundo.



01. Dance Mediterrania - Simon Shaheen & Qantara
02. Lubnan - Wadi Al-Safi 
03. Jannaat - Wadi Al-Safi
04. Tallu Hbaabna - Wadi Al-Safi/Sabah Fakhri/Simon Shaheen & Qantara
05. Allah Ma'ik Ya Zanba'a - Wadi Al-Safi
06. Ya Ghayibeen - Wadi Al-Safi
07. Ya Hilwa - Wadi Al-Safi
08. Al-Laylu Ya Layla - Wadi Al-Safi/Wadi Al-Safi Group
09. Al Qantara - Simon Shaheen & Qantara
10. Al-Lu'Lu' Al-Mandood - Sabah Fakhri
11. Qadduka 'I-Mayyaas - Sabah Fakhri
12. Min'Ees/Ya Raakibi I-Hamra/Saah Tayri I-Hamaam - Sabah Fakhri
13. Ya Maali 'Sh-Shaam - Sabah Fakhri
14. Wihyaat 'Inayya - Sabah Fakhri/Sabah Fakhri Group
15. 'Al Rosana - Sabah Fakhri

Morente y Lagartija Nick - Omega 1996. Hay dos Morentes el de antes de Lorca (98) y el de después. En medio está el tercero, fuera del tiempo, el Morente Omega




Omega, además de un disco, fue un acontecimiento. Los actores, numerosos y variopintos, fueron atraídos hacia el centro de una órbita sobre la que giraban cuatro fuerzas centrífugas del arte empujando los límites de la creación: Federico García Lorca, Leonard Cohen, Lagartija Nick y Enrique Morente.

Se cocinó durante varios años, a fuego lento, en un proceso de alto riesgo con momentos volcánicos que transformó para siempre las carreras de sus principales protagonistas y, por extensión, dejó tocado al que recibió su onda expansiva. Un hito insólito, un faro en la costa de la música española que alumbra a todos los artistas que se atreven a aproximarse a él, siempre sumidos en la oscuridad y azotados por un intenso oleaje.

Morente contactó con el presidente de Universal, que no le devolvió la llamada

Este miércoles se edita la biografía oral Omega (Lengua de Trapo), un libro de Bruno Galindo, con prólogo de Santiago Auserón y epílogo de Leonard Cohen, que reconstruye la gestación del álbum con las opiniones de más de 50 personajes que la vivieron de cerca. La voz cantante la lleva Morente, motor y cerebro del proyecto, cuyas últimas entrevistas antes de fallecer el pasado mes de diciembre las hizo para la elaboración del libro.

"Hubo dos encuentros significativos, en septiembre y en octubre del año pasado en Madrid", cuenta a Público Bruno Galindo; "al principio se quitaba importancia, como si hubiera sido un músico más que pasó un día por allí. ¿Pero qué te voy a contar yo de Omega?', me decía. En el segundo encuentro diseccionamos el álbum. Aquella noche le fui a buscar a la Casa de América y estuvimos juntos hasta el amanecer. Me impresionó su sabiduría acerca de la música y del arte. Le gustaba comunicar su experiencia, contar de qué estaba hecho su arte y qué cosas le habían pasado, y sólo daba la impresión de guardarse ciertos secretos hasta la hora adecuada".

Omega' se publicó en diciembre de 1996 y vendió 50.000 copias

Una cita en el Palace
Omega se publicó en diciembre de 1996, pero su origen es anterior. En 1991, Alberto Manzano, traductor y amigo de Leonard Cohen, llamó a Enrique Morente con la idea de hacer un disco de versiones del canadiense en clave flamenca. Aquello se quedó en una semana de trabajo entre Morente, Manzano y Juan Habichuela, que coincidieron en el Mercat de la Música Viva de Vic. Dos años después, aprovechando la gira del disco de The future, Cohen y Morente se conocen en el hotel Palace de Madrid. "No hablamos de Lorca, ni de arte ni de poesía. Yo no sé hablar de esas cosas", le dijo Morente a Bruno Galindo. Unos meses después, el cantaor empieza un trabajo sobre Leonard Cohen. En un miniestudio situado en un sótano cercano a la plaza de la Cebada de Madrid sonaron las primeras notas de Omega.

el cambio de rumbo

A Morente le gustaba alternar con los músicos jóvenes de Granada

Todos a la cárcel
Antonio Arias, líder de Lagartija Nick, y su hermano Jesús, periodista cultural e inquieto músico granadino, conocían a Morente desde principios de los ochenta. Al cantaor le gustaba alternar con los músicos jóvenes de su ciudad, aunque su estilo no tuviera nada que ver con el flamenco. Jesús Arias estaba obsesionado con grabar unos poemas de Lorca mezclando música punk y flamenco. En agosto de 1995 se lo contó a Raúl Alcover, el músico granadino que estaba ayudando a Morente con el proyecto sobre Cohen, y días después se produjo el encuentro. Jesús le cantó el poema Niña ahogada en un pozo con la música del Helter Skelter de los Beatles y a Morente le brillaron los ojos. "Es que llegaste tú a mi casa con tus chaladuras, tu hermano más chalao que tú y yo pensé: ¡Hagamos que nos metan a todos en la cárcel!", le dijo el cantaor meses después. Morente, que ya había grabado media docena de canciones de Cohen, giró el timón. Sin parche en el ojo, pero con espíritu de pirata, decidió que "debía tener un sonido más inconformista. El disco de Leonardo era una idea maravillosa, pero pensé hacerlo más Poeta en Nueva York". Lagartija Nick se incorporaron al proyecto.

LA TRANSFORMACIÓN
"Ya no quiero ser cantaor. Quiero ser el cantante de Lagartija Nick", dijo

De compras por Nueva York

Borja Casani, exdirector de la legendaria revista La Luna de Madrid y jefe del sello El Europeo, se enteró del plan de Morente y le ofreció publicar el disco. Le acompañó a un concierto en Nueva York donde sólo cantó flamenco clásico y al que asistieron los miembros del grupo de noise rock Sonic Youth, con los que colaboraría más adelante. Durante ese viaje, Morente le pidió a Casa-ni que le llevara a tiendas de ropa moderna y terminaron en un local de la zona gay. "Todavía me descojono acordándome de Enrique metiéndose unos pantalones de plástico, con un tripón saliéndole por encima. Se dejó ahí un pastizal. Ahí estaba, probándose botas de punta", cuenta Casa-ni en el libro. Morente había entendido que un rockero empieza a vestirse por los pies.

El dinero
Un disco en los márgenes

Al cantaor le seducía la oferta de Casani de publicar su disco, pero temía que no alcanzara la distribución adecuada (temores que terminaron haciéndose realidad). Por aquel entonces, Lagartija Nick tenía contrato con Sony y les presentaron algunas maquetas, pero en la multinacional no vieron claro el proyecto. Morente sabía que una major no entendería Omega, pero aún así contactó con Simone Bose, presidente de Universal, que ni siquiera le devolvió la llamada. Virgin fue el único sello que mostró interés, pero finalmente Casani convenció a Antonio Idzikowski, un empresario con negocios inmobiliarios, para que doblara la oferta hasta 150.000 euros. Omega iba a ser independiente.

La grabación (I)
Primero fusión...

Tras el primer ensayo, Morente exclamó: "Yo ya no quiero ser cantaor flamenco nunca más. Quiero ser el cantante de Lagartija Nick". La grabación del disco, que ocupó gran parte del año 1996, fue instintiva, anárquica y con un fuerte componente experimental. Eric Jiménez, batería, lo mismo se inspiraba en una procesión de Semana Santa que aparecía con unos bidones de gasolina para conseguir un efecto más ácido. La canción Omega, por ejemplo, pasó de durar tres minutos a 11. Por primera vez, los espíritus del pospunk (Joy Division, Einstürzende Neubauten...) y el flamenco tradicional (Antonio Chacón, La Niña de los Peines...) flotaban en una misma sala de grabación. "Era como si la voz de Enrique fuera la voz de un poeta y nosotros, el ruido de Nueva York", recuerda el batería de Lagartija Nick.

La grabación (y II)
...después explosión

El instinto y la imaginación, quizás también el duende, guiaron la creación de Omega. Morente no escribía música, pero sabía hablar de ella: "Tú haces PATAKLAK cuando yo digo la luna'. Y ahora tú haces KLAKLAKLOK". La tensión se hizo patente desde el inicio. Morente, visceral y expansivo, provocó una crisis al cambiar algunas de las traducciones de las canciones de Cohen, que estaban aprobadas por contrato. La otra crisis se produjo en el otro equipo: los integrantes de Lagartija Nick no soportaron la tensión de una grabación de alto voltaje y se disgregaron días antes de iniciar la gira. Eric Jiménez dejó el grupo y Miguel Ángel Rodríguez Pareja, guitarrista, terminó reclamando sus derechos de autor en las canciones de Omega.

El concierto
Cataclismo en el Albéniz

"Se armó el pollo padre. Nosotros estábamos detrás de un telón, nadie lo sabía y de repente salimos ahí con los amplificadores. Aún no había salido Omega y se armó la de San Quintín", rememora Eric Jiménez en el libro. Era marzo de 1996, Morente actuaba en un ciclo de flamenco y no avisó de que traía a Lagartija Nick. Tras un recital clásico, se cayó el telón de fondo y el grupo descargó Omega, lo que provocó la ira de algunos espectadores, que gritaron "¡Esto es ruido!" o "¡Canta flamenco!". Algunos críticos y los puristas del flamenco tampoco entendieron el camino abierto por Morente, tildando Omega de provocación y descenso a los infiernos.

'Omega'
Un álbum por descubrir

Omega se publicó en diciembre de 1996 y al mes siguiente ya había despachado 26.000 copias. En total, las ventas rondaron los 50.000 ejemplares. Según Bruno Galindo, "Enrique sabía que Omega era, si no su obra capital, al menos la de mayor proyección. Y creía esta es mi opinión que el disco está descubierto, digamos, al 10%. Hacía poco había comprado el master (que curiosamente pertenecía a una inmobiliaria) y negociado con Universal su explotación nacional y, sobre todo, internacional". No volverá a sonar en directo, pero Omega está todavía ahí, ahora colgando en la red, esperando a ser descubierto. http://www.publico.es/culturas/373825/el-disco-que-rompio-el-flamenco


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“Omega. Biografía oral del álbum que unió a Enrique Morente, Lagartija Nick, Leonard Cohen y Federico García Lorca”. Ofrecemos aquí diversos extractos del libro, título escrito por Bruno Galindo a partir de la colaboración oral de más de cincuenta participantes (músicos, críticos, productores, escritores...), quienes dialogaron sobre uno de lo discos más sobresalientes de la historia.

LOS PURISTAS

MORENTE: “Hubo comentarios de que me había equivocado. La afición del flamenco, los profesionales, algunos artistas incluso, lo rechazaron muchísimo”.

MONTERO GLEZ (escritor): “Escuché la maqueta de ‘Toma este waltz’ en el despacho de Borja Casani. Pensé para mis adentros que podrían suceder dos cosas: o a Enrique los puristas lo iban a apedrear, o todo el mundo se arrodillaría. Me alegra que con los años haya sucedido lo segundo”.

PEDRO CALVO (periodista musical): “En los ochenta hubo artículos de Ángel Álvarez Caballero, crítico de ‘El País’, en los que no le parecía bien lo que hacían Morente ni Paco de Lucía. Luego cambió porque un tío que escribe en un periódico no puede estar por detrás del público. Queda raro que la gente diga que algo tiene una grandeza y el especialista no se haya dado cuenta. Por eso tuvo que cambiar rápidamente. El público no asiste a conciertos de flamenco por simple entretenimiento, sino que es un poquitín más mirado. Ya nadie se atreve a poner ‘peros’ a este tipo de figuras. Bueno, hay algún crítico que pone pegas con fundamento, como Alfredo Grimaldos, que no ve todos los discos de Morente con buenos ojos”.

ALFREDO GRIMALDOS (crítico flamenco, periodista y escritor): “En ‘Omega’ hay cosas que me gustan más y otras que menos. Pero, si te pones a analizarlo, todo ese disco es flamenco flamenco, menos las guitarras de Lagartija Nick. Tocan Cañizares, Vicente Amigo, Tomatito... Se habla de ‘Omega’ como si fuese una rareza, pero en todo caso es una rareza flamenca. Los antimorentianos han ido a menos. Esas polémicas siempre han sido artificiales, fruto de una época, cuando los círculos de cabales no entendían sus primeras experimentaciones. Básicamente, son los que criticaban a Camarón y a Paco de Lucía. Era una época de grupos más reducidos y poco democratizados. La crítica del flamenco eran cuatro. La cosa se abre en los años setenta, gracias a los colegios mayores y la universidad”.

LUIS TROQUEL (periodista musical): “Más que criticarlo, los puristas lo ningunearon. ‘Omega’ no les pareció una herejía, sino una marcianada. Incluso hubo morentianos que encontraban difícil de escuchar cosas como ‘El pastor bobo’, donde llevaba al extremo ese punto salmódico y casi atonal”.

MIGUEL POVEDA (cantaor): “Al principio sentí extrañeza escuchando ‘Omega’. Después me di cuenta de que es un disco de otras dimensiones. Ahora me emocionan especialmente ‘La aurora de Nueva York’, ‘Manhattan’ y ‘Omega (poema para los muertos)’”.

MORENTE: “Ya antes de salir, hubo críticos de flamenco, por ejemplo en Canal Sur, que empezaron a cargárselo. Decían que adónde íbamos a llegar en el flamenco si Enrique Morente estaba haciendo un disco con un grupo que se llama... ¡¡¡Lagartija Nick!!! El problema era el nombre”.

MAYTE MARTÍN (cantaora): “Es el disco que he escuchado más veces en mi vida. No para mi deleite, sino en mi afán de comprenderlo. No entendía qué misterio encerraba para haber sido el álbum que lo llevó a ser conocido y reconocido por el gran público. Antes había creado verdaderas obras de arte que nunca llegaron a esa consideración fuera del ámbito flamenco. Todavía no he logrado comprender ‘Omega’. En todo caso, si algo aportó, a mí entender, fue darle a Morente ese lugar que debió haber tenido hace mucho tiempo, ese reconocimiento que también le negó el ámbito flamenco castrador de la época, por culpa de la dictadura de la ortodoxia”.

LUIS CLEMENTE (periodista, crítico y escritor): “Hay dos críticos sevillanos que llevan veinticinco años peleando por Morente desde las peanas de sus periódicos. Me refiero a los dos Manolos, Bohórquez desde ‘El Correo de Andalucía’ y Martín Martín desde ‘El Mundo’. El primero, defensor, y al segundo se le puede apodar mastín-mastín. Entre las barbaridades de este último, que guardo recortadas, está una columna que en su periódico de entonces (‘Diario 16 Andalucía’) dedicó a ‘Omega’. Decía así: ‘Morente no se encuentra en los mejores momentos de su vida flamenca y su ‘Omega’ no es más que una provocación y un auténtico descenso a los infiernos, donde su expresión cantora se dispersa en el grito insustancial y queda engullida por las voces que se desdoblan, por la obsesiva instrumentación rockera, por los tiempos que se entrecruzan y los tonos que enmarañan’”.

PEDRO CALVO: “Dentro de esa gran escolástica que es la flamencología hemos escuchado cosas absurdas como que Enrique cruzaba los cantes. Se supone que hay una manera canónica de hacer las cosas y que vale igual para todos. Enrique, por supuesto, no ha cruzado jamás los cantes, lo que sí sucede es que con la riqueza expresiva que tiene cantando por malagueñas puede hacer tal variedad de cosas que a alguien la cabeza le da vueltas. El flamenco es una cultura cateta. Me refiero a estas seudoteorías que quieren dar explicaciones. Casi siempre hay una gran incultura musical. Oímos cosas como que ‘el flamenco es la mejor música del mundo’. Habría que preguntar: ‘¿Pero cuántos géneros más ha escuchado usted?’”.

ANTONIO LUQUE (Sr. Chinarro; cantante y compositor): “Los puristas, esos señores desconocidos de los que tanto se habla, hacen parecer el mundo de la música andaluza, andalusí, flamenca o lo que sea, un coto cerrado en el que destacan los gitanos por su asilvestramiento. Un coto de caza para señoritos. A Morente le interesaban las otras músicas. Música no hay más que una, supongo yo que él suponía”.

MORENTE: “En la mitad de la grabación se murió mi madre. ‘Omega’ era, en el fondo, un réquiem por mi madre. Eso es lo que yo sentí”.

ANTONIO ARIAS (bajista, cantante de Lagartija Nick y ayudante de producción): “No sé si él te ha comentado que durante las sesiones de grabación fallece su madre. Pero él no interrumpe la grabación. Fue grabando la misma canción, ‘Omega’; creo que el entierro fue esa mañana. Le digo: ‘Enrique, pues ya cuando quieras seguimos’. Y él dice: ‘No, esta tarde’. Y han quedado esas voces, un poco caóticas y que están mal grabadas porque están saturadas. Pero no las puedes quitar. Lo intentabas y era otra canción”.

BORJA CASANI (editor de ‘El Europeo’): “Es, digamos, el lugar donde Enrique plantea una conversación con los muertos. ‘Omega’ es algo... póstumo. Hace algo que está fuera del momento: está hablando con los viejos maestros. La canción ‘Omega’ , que realmente da cuerpo al disco, es una canción funeraria de gran envergadura. Tiene mucho que ver con el espíritu del rock”.

IAN BIDDLE (musicólogo): “En el minuto cinco y medio, la pieza se ve acechada por las voces de flamencos pasados: ‘samples’ de cantaores como Antonio Chacón, Manuel Torre y La Niña de Los Peines se superponen a la voz de Morente como si fuera un chamán invocando las voces ancestrales. Ese momento extraordinario constituye una territorialización traumática, un borrado de la sensibilidad rock y un arraigamiento del espacio flamenco”.

NEGRI (cantaor y percusionista): “Es un disco oscuro. No es de luz, de primavera, de qué bien está todo. Yo pienso que encierra muchas cosas y saca muchos fantasmas. Yo casi escucho un réquiem en la canción de ‘Omega’. O en ‘Ciudad sin sueño’. A mí me suena a réquiem. A réquiem moderno, pero a réquiem. Piensa que Enrique estaba en una situación especial...”.

PEDRO G. ROMERO (pintor, escultor y escenógrafo): “Hay un elemento de esta canción al que pocos hacen referencia. La influencia de Val del Omar, tan notoria en el tema que da nombre al disco, en ese collage de saetas procedentes de discos antiguos del flamenco, como hiciera el cineasta en ‘Aguaespejo granadino’, su primera obra maestra. Es muy evidente en el recurso técnico, superando juegos similares que ya habíamos visto, por ejemplo, en ‘Camelamos naquelar’ de Mario Maya, otro artista granadino genial. Pero también en la alquimia, en esa manera de dar la vuelta a lo nuevo para que parezca viejo y a lo viejo para que luzca como nuevo”.

J (cantante, guitarrista y compositor de Los Planetas): “‘Omega’ no es mi disco favorito de Enrique ni de Lagartija Nick, aunque sea el más significativo de ambos. La canción ‘Omega’ sí que es de las que más impacto me han provocado en la vida”.

BORJA CASANI: “‘Omega’ ha llegado a ser un clásico por dos cosas: primero por la falta de ambición de la música española. Es decir, que el álbum tiene pocos rivales. Hay diez o doce discos de la música española que tengan esa ambición, esa potencia vital y ese objetivo. Eso quita ya a todos los demás. Luego está su empuje artístico. Su ambición vanguardista, que ahora mismo tampoco es una cosa evaluable, porque todo el mundo cree que la vanguardia es un matiz; digamos que se cree que es lo convencional un poco pasadito, ¿no? La vanguardia es una cosa mucho más complicada. Es meterte en un territorio insondable, en un lugar que no existe. ‘Omega’ es un producto de vanguardia por eso: porque entra en un lugar que no existe”.

ANTONIO ARIAS: “Pero lo más curioso de todos estos años es que, con esas ventas que teníamos desde el primer mes, es como si el público hubiera determinado las corrientes más alternativas. Esta vez fue el público en general el que determinó lo más vanguardista. Así pasó de ser un disco muy popular a convertirse en un disco de culto, lo que lo hace doblemente popular”.

ERIC JIMÉNEZ (batería de Lagartija Nick y Los Planetas): “Me quedo con el orgullo de haber hecho un disco que no va a caducar nunca. Siempre sonará actual y antiguo”.

LUIS TROQUEL: “En nuestra última entrevista pregunté a Morente si pensaba que se le recordaría más por su voz o por su mente. Tras pensárselo un rato, respondió que por su mente. Creo que fue Édith Piaf quien dijo que de las limitaciones nace la personalidad. Y esa frase puede aplicarse a Morente. Logró llegar a lo más alto sin tener tras de sí una tradición familiar fuerte de flamenco detrás. Le costó encontrarse como cantaor. Decía que era un artista autofabricado”.

PAQUETE (guitarrista): “No sé si es el disco más complejo de la historia del flamenco, pero por lo menos es el más raro. Igual si una compañía de flamenco o alguien agrandase un poco el concepto y lo bailase gente buena se podría hacer... no sé si la palabra correcta sería un musical”.

ANTONIO CARBONELL (cante y palmas): “Yo recuerdo otra versión del ‘Vals vienés’ que también era una joya. Vi cosas que pasaban en el estudio que se podían haber rescatado. Yo creo que dentro de este proyecto se han quedado muchas maravillas. Lo que pasa es que los flamencos son un poco descuidados”.

Mas en morenteomega.com
Letras aquí 

Además de Enrique Morente y Lagartija Nick, en el disco también participan Estrella Morente, Tomatito, Vicente Amigo, El Paquete, Juan Manuel Cañizares, Miguel Ángel Cortes, Montoyita e Isidro Muñoz.


1.    «Omega»      Federico García Lorca    Enrique Morente, Lagartija Nick    10:48
2.    «Pequeño vals vienés (Take This Waltz)»      Federico García Lorca    Leonard Cohen    5:33
3.    «Solo del pastor bobo»      Federico García Lorca    Juan Antonio Salazar    3:42
4.    «Manhattan (First we take Manhattan)»      Leonard Cohen (adapt. Enrique Morente y Alberto Manzano)    Leonard Cohen    4:44
5.    «La Aurora de Nueva York»      Federico García Lorca    Vicente Amigo    4:59
6.    «Sacerdotes (Priests)»      Leonard Cohen (adapt. Enrique Morente y Alberto Manzano)    Leonard Cohen    4:07
7.    «Niña ahogada en el pozo»      Federico García Lorca    Enrique Morente, Cañizares y Lagartija Nick    4:45
8.    «Adán»      Federico García Lorca    Isidro Muñoz    4:14
9.    «Vuelta de paseo»      Federico García Lorca    Enrique Morente y Lagartija Nick    5:08
10.    «Vals en las ramas»      Federico García Lorca    Isidro Muñoz    4:01
11.    «Aleluya (Hallelujah n. 2)»      Leonard Cohen (adapt. Enrique Morente y Alberto Manzano)    Leonard Cohen    6:24
12.    «Norma y paraíso de los negros»      Federico García Lorca    Isidro Muñoz    4:34
13.    «Ciudad sin sueño»      Federico García Lorca    Enrique Morente y Lagartija Nick    5:46

Camarón - La leyenda del tiempo 1979. "Quiero al amante que gime de felicidad y desprecio al hipócrita que reza una plegaria"



FLAC

 
Viejo mundo
el caballo blanco y negro
del día y de la noche
atraviesa al galope.

Eres el triste palacio
donde cien príncipes soñaron con la gloria,
donde cien reyes soñaron con el amor
y se despertaron llorando.

Un poco de pan
y un poquito de agua fresca,
la sombra de un árbol
y tus ojos
resultan más feliz que ellos,
ni mendigo más probe.

El mundo: un grano de polvo en el espacio,
la ciencia de los hombres: palabra,
los pueblos, los animales y las flores
de los siete climas son sombras de la nada.

Quiero al amante que gime de felicidad
y desprecio al hipócrita que reza una plegaria.


Mas información en este documental: RTVE o YouTube


Camarón: voz
Tomatito: guitarra española
Raimundo Amador: guitarra española
Jorge Pardo: flauta
Manolo Marinelli, del grupo Alameda: teclados
Rafael Marinelli, del grupo Alameda: piano
Pepe Roca, del grupo Alameda: guitarra eléctrica
Gualberto Garcia: sitar
Rubem Dantas: percusiones
Tito Duarte: percusiones
José Antonio Galicia: percusiones
Antonio Moreno "Tacita": percusiones
Pepe Ébano: bongó
Manolo Rosa, del grupo Alameda: Bajo


1. La leyenda del tiempo (Federico García Lorca/Ricardo Pachón) – (Jaleos) 3:41
2. Romance del Amargo (García Lorca/Pachón) – (Bulerías por soleá) 3:47
3.Homenaje a Federico (García Lorca/Pachón/Kiko Veneno) – (Bulerías) 4:10
4. Mi niña se fue a la mar (García Lorca/Pachón/Veneno) – (Cantiñas de Pinini) 3:05
5. La Tarara (Trad. Arr. Ricardo Pachón) – (Canción) 3:46
6. Volando voy (Veneno) – (Rumba) 3:25
7. Bahia de Cádiz (Pachón/Fernando Villalón) – (Alegrías de baile) 2:56
8. Viejo mundo (Omar Khayyám/Veneno) – (Bulerías) 2:45
9. Tangos de la Sultana (Antonio Casas/Pachón/Francisco Velázquez) – (Tangos) 4:29
10. Nana del caballo grande (García Lorca/Pachón) – (Nana) 4:58

Sabicas With Joe Beck - Rock Encounter 1966. La primera fusión histórica del flamenco con la música del imperio.



http://www.adrive.com/public/eJp8jP/Sabicas%20With%20Joe%20Beck%20-%20Rock%20Encounter%20(1966).rar


Agustín Castellón “Sabicas”, con sangre gitana por sus venas, nació en Pamplona, Navarra, trasladándose a Madrid a temprana edad.
 Su extensa colaboración con importantes cantaores flamencos de la época, procedente de Andalucía, le ayudó a desarrollar un estilo único: Niña de la Puebla, Juanito Valderrama, Estrellita Castro, Niña de los Peines, El Carbonerillo o Niño de la Calzá,  algunos de los cuales le acompaña también en sus grabaciones.
Exiliándose en América del Sur con la bailaora Carmen Amaya, tras la guerra civil española, realizan juntos varias giras estableciéndose definitivamente en Nueva York.
En NY  se relaciona con maestros del jazz de la talla de Charles Mingus, Ben E. King, Gill Evans, Thelonius Monk o Miles Davis, donde es tratado como uno más por las discográficas, que distribuyeron sus grabaciones por todo el mundo, regresando a España en 1967.
En el "Carnegie Hall" de Nueva York se le tributa lo que sería su último homenaje el 10 de junio de 1989, falleciendo en esa ciudad al año siguiente a los 83 años.
Joe Beck nació en Philadelphia, Pennsylvania, llegó a ser conocido por participar en una de las ediciones eléctricas de los grupos liderados por Miles Davis.
Trabajó para Laura Nyro, Duke Ellington, James Brown, Antonio Carlos Jobim o la Fania All Stars entre muchos.
Músico de sesión, productor, y organizador de las carreras musicales de intérpretes del rock o el pop,  rodeandose siempre de grandes instrumentistas, como es para este proyecto, el bajista Tony Levin, posterior maestro del stick con King Crimson. Joe Beck falleció en Julio de 2008.
"Rock encounter" (1966), aunque en España se publico en 1970, es la primera grabación que se reconoce como intento de fusión flamenco-rock y que en un principio fue un mero experimento, que ni siquiera fue muy valorado por los propio músicos; aunque en realidad "Rock encounter" es una sucesión de interpretaciones, en magistral ejecución de ambos estilos, dándose los músicos entrada uno a otro.
 Disco básico y el eslabón principal para entender la fusión del flamenco con el jazz y el rock como la que tuvo Paco de Lucia con el piano de Chick Corea, las guitarras de John Mc Lauglhin, Carles Benavent, Al Dimeola, Larry Corryel o el viento de Pedro Iturralde y Jorge Pardo entre otros, y sobre todo las claras influencias de bandas del llamado rock andaluz: Smash, Triana, Cai, Guadalquivir, Alameda, Imán Califato independiente, Tableton y muchos más.
Todos los temas están compuestos y escritos por Sabicas y Joe Beck, excepto “Joe's Tune” compuesto por Joe Beck.



Sabicas: Guitarra Flamenca
Joe Beck: Guitarra Eléctrica
Donald Mac Donald: Batería
Warren Bernhardt: Teclados
Tony Levin: Bajo


1. Sabicas & Joe Beck - Inca Song (5:19)
2. Sabicas & Joe Beck - Joe's Tune (3:55)
3. Sabicas & Joe Beck - Zapateado (9:38)
4. Sabicas & Joe Beck - Zambra (4:06)
5. Sabicas & Joe Beck - Handclaps (0:37)
6. Sabicas & Joe Beck - Flamenco Rock (6:10)
7. Sabicas & Joe Beck - Bulerias (7:20)
8. Sabicas & Joe Beck - Farruca (4:44)

Marina Heredia - A mi tiempo 2013. Mare mia... Marina del Albaycin y Bolita de Jerez.



http://tny.cz/64e95251


Marina Heredia abre una puerta a la reflexión en un tiempo en el que la vida avanza de manera acelerada, que reclama con exigencia el ya y el ahora. La cantaora marca el tempo que nos permite ver el mundo que nos rodea y darnos cuenta de que formamos parte de un todo. A mi tempo (2013) es un disco que nace de su espectáculo homónimo y que presenta una prospectiva de la relación tempo-tiempo, a través de una selección de cantes que marcaron un antes y un después en el flamenco y en Marina. A mi tempo recoge nueve temas, nueve pilares del cante flamenco, en un declarado homenaje a aquellos cantes y a aquellos cantaores que han marcado la carrera artística de Marina Heredia y que en este disco la cantaora adapta a su tiempo y a su tempo: milonga, bulería por soleá, fandangos, siguirilla, caña y polo, cuplé, rumba, tangos y bulería, con ecos de Camarón, Adela la Chaqueta, Enrique Morente, Chocolate, Corruco de Algeciras, Terremoto o Bambino.


José Quevedo Bolita: director musical, arreglos y producción
Marina Heredia: repertorio y adaptación
J. Quevedo Bolita, Diego del Morao, Miguel Ángel Cortés: guitarras
Paquito González: percusión
Jara Heredia, Anabel Rivera, Los Mellis: palmas y coros
Mónica Naranjo: colaboración especial


1. Marina Heredia - En Los Brazos De Mi Mare (6:15)
2. Marina Heredia - Bulería Pa Escuchar (5:28)
3. Marina Heredia - De Chocolote (6:13)
4. Marina Heredia - Sabe De Sangre (5:54)
5. Marina Heredia - Personas Reales (5:51)
6. Marina Heredia - De Adela (4:40)
7. Marina Heredia Feat. Mónica Naranjo - Bambineando (7:20)
8. Marina Heredia - Morentangos (8:18)
9. Marina Heredia - De Leyenda (8:19)

Dorantes - Sin Muros 2012.



FLAC
https://mega.co.nz/#!LA0B2ICI!V5M1SkIxfnMJvQW_3tjajG89NQw1xWKxSCTLaIqUu-M


Yo quiero un mundo sin fronteras, donde todas las puertas estén abiertas. Un mundo sin odio, sin llaves, donde nadie muera en nombre de Dios. Una tierra limpia, un mar donde jugar. Quiero besar a alguien de otro color. Quiero una tierra donde la guerra sea de mentira, el hambre sea dulce y esté gorda… De esta forma presenta el lebrijano David Peña, Dorantes, Sin Muros!

“Sin muros” responde a las necesidades del artista de explorar, desde su concepción, nuevos horizontes musicales para llevar a su piano “por senderos desconocidos hasta entonces”, según ha proclamado el intérprete.

Si hay algo que destaca sobremanera, amén de la propia calidad del protagonista, son las riquísimas colaboraciones que ha tenido de artistas de la talla de Carmen Linares, Enrique Morente, José Mercé, Miguel Poveda o la israelí Noa que se proyectan en un repertorio basado en bulerías, seguiriyas, alegrías, tientos, malagueñas, guajiras, nanas y soleá.

En el disco se pueden encontrar temas como «Sin muros ni candados», en el que cuenta con el contrabajista Renaud García-Fons, pasando por «Al calor de la manta», una nana que interpreta la cantante israelí Noa, los versos de García Lorca en «Refugio», con Enrique Morente y que se supone de lo último grabado por Enrique Morente o en «Libertad entre rejas», que interpreta la cantaora Carmen Linares. También un tema en homenaje a la procesión de Los Gitanos de Sevilla con música y letra del propio Dorantes, «Errante», a la que pone voz José Mercé.

La coda final del trabajo es el corte «Ante el espejo», una creación basada en la atonalidad y que experimenta con armonías y sonidos.

Pregunta: ¿Es “Sin muros”, su trabajo más íntimo y personal?

Respuesta: Bueno, yo creo que todas las obras son íntimas y personales porque el compositor siempre tiene que hacer que sean parte de sí mismo. Sí, ésta tiene caracteres o matices diferentes a todas las demás, pero yo creo que todas las obras son igual de íntimas y personales.

Pr:¿ Cómo se realizó la grabación del disco con las diferentes voces?

Re: Se hizo, la mayoría, en mi estudio de grabación y algunas voces, como por ejemplo, la de Enrique Morente o la de Carmen Linares,en estudios personales. Enrique en el suyo y la de Carmen en un estudio de Madrid, pero todo lo demás se hizo en casa, tranquilamente.

Pr: En “Sin muros” presenta unas colaboraciones majestuosas del cante Flamenco como: Enrique Morente, Carmen Linares, Esperanza Fernández, Arcángel, Miguel Poveda, Pedro Peña, José Mercé y Noa.
Cuéntenos sobre la colaboración de Noa…

Re: La colaboración de Noa es muy bonita, muy de verdad, porque fue el último tema, del último concierto, de la última gira que hice. Con ella fue muy especial, fue en Barcelona. Lo improvisamos, lo cambiamos todo, fue un VIP y se nota la magia, se nota el estilismo de esa gira, de ese momento y cuando salimos del escenario nos abrazamos los dos como diciendo: “¡Qué ha pasado ahí!” Ha pasado algo mágico y yo lo grabé, tuve la suerte de haberlo grabado. Este tema es la fotografía de dos almas y tenía que estar en mi disco.

Pr:¿Ha significado esta colaboración una apertura hacia otras culturas musicales?

Re: Sí, pero sobretodo ha sido una convivencia, yo pienso siempre en convivencia. Creo sobre todo en los músicos,en la música, pero para mí es más importante el compartir, la convivencia con otros músicos, dialogar con otros músicos. Confío mucho en ellos, creo que se debe hacer y es bonito.

Pr: Han pasado 14 años desde “Orobroy”. Durante estos años ha sido un camino de éxitos tanto nacionales como internacionales y de viajar por todo el mundo. ¿Ha cambiado de algún modo su forma de ver la música? ¿Qué han aportado estos 14 años a este nuevo álbum?

Re: Ha cambiado por el hecho de que yo soy más maduro, he recorrido mucho mundo, he podido conversar con muchos artistas, tanto musical como diálogo de palabra con muchos de ellos y todo eso te aporta, y cambia tu forma de ver la música. Los recursos,tu paleta musical a la hora de componer es más amplia ,tienes más recursos, estás más acorde con la vida que te rodea por la edad, por tu tiempo, tu experiencia y todo eso te hace cambiar la forma de ver la vida y la música y la ves de una forma más profunda. Comienzas a quitarle cosas que ves que sobran. Antes querías meter y meter y ahora me limito a coger e ir al grano directamente.

Pr: “Refugio”(Tientos) por voz del maestro Enrique Morente ¿Cómo surgió la idea de los tambores Daiko?

Re: Es una idea que yo tenía ya hace mucho tiempo en la cabeza, incluso hice espectáculo y gira en Japón con los tambores “daiko” en un espectáculo llamado “Daiko y percusión flamenca “.Con esta idea y en ese momento me puse a grabarlos porque quería traerlos a España y usarlo en mi música. Un día fui a casa de Enrique ( Morente ) y me puse a escucharlo cantar. Rápidamente me vino a la cabeza el sonido de los tambores “daiko”.Yo quería crear a Enrique más dimensiones de las que puede tener en un disco la música y quería crear espacio, quería crear ambiente y me vino a la cabeza el sonido del recurso de lo que yo he aprendido de mi vida.En la paleta musical tenía los tambores “daiko” y lo vi ahí en ese momento.

Pr: Destaco la colaboración de su padre, Pedro Peña, en las seguidiyas, interpretando las letras “Comparito mío Cuco”. Cuéntenos más sobre esa interpretación…

Re: Sí, en esa seguidilla yo quería reflejar lo que refleja su letra y ese momento, ese cuadro tan duro, cómo ese gitano se está muriendo en una casapuerta y le dice a su compadre:” Comparito mío cuco y cuéntale a mi madre que me estoy muriendo aquí revolcaíto en sangre”. Tenía esa imagen siempre muy metida dentro y quise hacer un tema que reflejara ese momento, ese momento de esa letra y lo compuse. Puse el recurso cinco por ocho y siete por ocho que, al final ,cambié ;los acentos siete y cinco son, al final, doce de la seguidilla pero cambia. El acento le da dramatismo , potencia el drama. Bueno, eché mano al maestro de esa letra y del flamenco como es mi padre para que él lo cantara.

Pr: Ha cogido lo mejor de cada cantaor, unos palos flamencos muy dinámicos y muy armónicos para el piano. David, ¿cómo se realiza la elección Cantaor – Palo flamenco?

Re: Fue muy natural la elección, fue entre amigos. Todos han tenido que ver antes conmigo en mi carrera. Yo tenía claro qué tema, qué palo era. Yo lo ponía y si ellos querían hacerlo, se hacía y si no, poníamos otro que ellos estuvieran a gusto porque el proceso del disco ,que ha sido: primero grabé las voces a capela, me las traje a mi estudio y comencé a armonizarlas, a crearles colores cítricos y luego la idea que te dan y, sobre todo, que el alma del cantaor estuviera allí. Por encima de todo ser yo quien me acercara a su alma. Para ellos tenía que ser todo muy fluido, muy natural. Yo les ponía el palo, pero eran ellos quienes tenían que decir si les apetecía o no hacerlo. Al final estuvieron de acuerdo con cada palo y todo fue muy fluido y yo con mucho respeto hacia ellos porque tenía entre mis manos a grandes artistas, grandes cantaores, geniales todos. Tenía que ir con mucho cuidado y mucho respeto.

Pr: “Sin muros” logra un gran equilibrio entre las colaboraciones y la musicalidad. ¿Qué otros instrumentos musicales podemos escuchar y disfrutar en este disco?

Re: Pues hay diferentes instrumentos musicales, pero detrás de ellos hay sobretodo diferentes músicos con diferente cultura musical. Está el Bandonén  que es porteño,-argentino; un contrabajista francés,  Renaud García-Fons  con música de jazz y también algo de flamenco , es un enamorado del flamenco; otro contrabajista  Yelsy  Heredia cubano; está un violinista , Faikal Kourrich, que es árabe; un guitarrista flamenco pero con connotaciones diferentes como Ricardo Moreno; un batería flamenco pero también con connotaciones de jazz como es Nano Peña. Hay muchos artistas diferentes , con sonidos diferentes pero sobretodo y lo más importante, también con una cultura diferente detrás. Encontramos un diálogo ,una convivencia entre diferentes músicos  con diferente culturas musicales  y es verdad que todo está escrito , porque yo suelo escribir todas las partituras, cada nota que tienen que dar, pero luego hay pequeñas partes donde yo la abro para que ellos expresen lo que ellos son.

Pr: ¿Qué ve David Peña, “Dorantes”, en el espejo?

Re: Es complicado porque es un auto-análisis continuo. Son pensamientos muy profundos en ese momento en el que te miras a los ojos en el espejo durante un minuto y empiezas a pensar quién eres ,quién es ese señor que tienes delante, porque no te reconoces e intentas reconocerte, intentas corregir cosas de ti mismo. El disco tiene un mensaje, desde el principio hasta el final, que es “sin muros” una convivencia. Dejé para el último tema, ese tema que es espejo, porque yo también quería decir que yo doy ese mensaje pero ahora me toca a mí el auto análisis, el analizarme, el dar ejemplo.Yo también tengo que tener capacidad de análisis para entender a los demás y entenderme a mí mismo.



Dorantes: piano, música
Enrique Morente, Carmen Linares, José Mercé, Esperanza Fernández, Miguel Poveda, Arcángel: cantaores invitados
Noa: voz invitada
Renaud García-Fons: contrabajo
Yelsy Heredia: contrabajo
Pedro María Peña: guitarra
Ricardo Moreno: guitarra
Faiçal Kourrich: violín
Manolo Nieto: bajo
Tete Peña: percusiones
Paquito González: percusiones
Los Mellis: palmas
Kazuma Inoue: taikos
Nano Peña: percusiones y batería
Marcelo Mercadante: bandoneón
Felipe Diego: trompeta
José Linares: trombón
Antonio de María: trompa
Elías Martos: tuba
Angelita Heredia, Bernardo Peña, Pedro María Peña, Daniela Peña, Rubén Peña: coros
Juan San Juan y Rossie Dee: colaboración especial


1. Sin Muros Ni Candados
2. Atardecer
3. Errante (A Los Gitanos de Sevilla)
4. Libertad Entre Rejas
5. 4 Leguas De Amor
6. Refugio
7. Aliento
8. Al Calor De La Manta
9. Caracola
10. Una Voz En Alto
11. Ante El Espejo
12. Ante el espejo (Libre, obra en 4 movimientos) – 1.Ante El Espejo
13. Ante el espejo (Libre, obra en 4 movimientos) – 2.Ante El Espejo
14. Ante el espejo (Libre, obra en 4 movimientos) – 3.Ante El Espejo

Música sefardí, 138 programas. Mizrají música judía oriental, 19 programas. Festival de Música Sefardí de Córdoba 2008-2012. Radio Sefarad



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Mizrají música judía oriental, programa de radiosefarad.com 
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Fuente: radiosefarad.com


Música sefardí   
Dina Rot: volver (4/4/2013)
Psalteria: el origen de BraAgas (21/3/2013)
Mara Aranda: la voz valenciana internacional (7/3/2013)
Casata de DeLeon: música antigua contemporánea (21/2/2013)
Las otras voces (7/2/2013)
Les Morenillas desde Teruel (17/1/2013)
El puente sagrado de la Boston Camerata y Joel Cohen (3/1/2013)
La “yave” del sefardismo, según los holandeses (20/12/2012)
El coro de los judíos de Salónica (6/12/2012)
Françoise Atlan y la orquesta arabo-andalusí de Fez (22/11/2012)
La memoria de la España judía, del Ensemble Constantinople (8/11/2012)
La autenticidad de David Saltiel (25/10/2012)
Divahn: todo femenino (11/10/2012)
Jaramar Soto: entre la pena y el gozo (27/9/2012)
El Ensemble Lyrique Iberique y el repertorio judeoespañol (13/9/2012)
Kat Parra y sus aventuras de pasión (30/08/2012)
Sones de Sefarad en los instrumentos del Grupo Cinco Siglos (16/8/2012)
Desde el lejano país de Ensemble Florata (2/8/2012)
Las canciones de Carmen de Aviva (19/07/2012)
Alia Mvsica: Andalucía en la música judeoespañola (05/07/2012)
Ana Alcaide nos presenta su último trabajo: “La cantiga del fuego” (21/06/2012)
Sarah Aroeste nos hace “Gracia” (07/06/2012)
Françoise Atlan y el conjunto Constantinople (24/05/2012)
Alberto Mizrahi: mucho más que un jazán (03/05/2012)
Desde México, Los Tiempos Pasados (29/3/2012)
BraAgas: voces femeninas desde Chequia (15/03/2012)
Que la Fortuna os acompañe (01/03/2012)
Tati Cerviá & Sepharazz Mishpaha: tradición renovada (16/02/2012)
Esther Ackermann: la Hispano-Suiza del canto (02/02/2012)
Ofir: lo más nuevo de la tradición (26/01/2012)
The Renaissance Players: de la berenjena a la mar de leche (29/12/2011)
Avishai Cohen: no sólo jazz (15/12/2011)
Yitzhak Levy: el kante de una vida (1/12/2011)
Anna Riveiro & Maayan: dos amantes, desde Polonia (17/11/2011)
Cantares de Tetuán, con Joaquín Díaz y el Quarteto Urueña (03/11/2011)
Dganit Daddo: la voz del ladino (20/10/2011)
Samiria Kadiri, de una orilla a otra (22/9/2011)
Vanya Green: con aroma latino e hindú (8/9/2011)
El último álbum de Mor Karbasi (25/8/2011)
Lauren Pomerantz en las alas del tiempo (11/8/2011)
Yardena y Son Ladino: jubano y sefardí (14/06/2007)
Esti Kenan-Ofri: juego de siempre (28/6/2007)
Elysean Fields: rock “noir” (30/5/07)
Barahúnda: la Sefarad renovada (12/07/2007)
Consuelo Luz: luminarias en la voz (26/07/2007)
Felicitaciones Mashalá (16/5/2007)
Me la amargates tú: ecos de Sefarad (9/8/2007)
Susan Gaeta: la aprendiz de Jagoda (28/07/2011)
Françoise Atlan: Sefarad del Mediterráneo (02/05/2007)
Savina Yannatou y su Primavera en Salonico (27/03/2007)
La dulzura del grupo Sirma (15/03/2007)
Halilem”, la pasión perfecta de Luis Delgado (07/03/2007)
Alhambra: la belleza del judeo-español (23/08/2007)
¿Dónde tiyenes ojos?: las kantigas de los sefardim de los Balkanes (06/09/2007)
Rosa Zaragoza: terra de jueus (11/10/2007)
Desde Aragón, Cantigas de Sefarad (25/10/2007)
The Sons of Sepharad: nuestros tres tenores (08/11/2007)
La suavidad de Yasmín Levy (22/11/2007)
Vox Suavis: recuperar e interpretar (13/12/2007)
Joaquín Díaz: toda una vida (10/04/2008)
La integración de Al-Andalus (27/03/2008)
Sarah Aroeste: ladino poprockero (06/03/2008)
Ayres Buenos desde Buenos Aires, con Liliana Benveniste (21/02/2008)
Los judíos de Aragón: romances sefardíes (07/02/2008)
Yahli Toren y Tobías Rüger: tradición y modernidad (24/01/2008)
Helen Rivero: ladino en las antípodas (10/01/2008)
Cantos de amor sefardíes, por Sofía Noel (27/11/2008)
Cuatro canciones populares sefardíes de Sid Robinovitch (13/11/2008)
Ofri Eliaz: ladino desde Israel (30/10/2008)
Ron Eliran: ladino flamenco (16/10/2008)
Los más bellos cantos de la diáspora (11/09/2008)
Rosa Zaragoza: la danza del alma y más (25/09/2008)
Speculum: Ars Mediterranea (28/08/2008)
La serena Helene (14/08/2008)
Ronit Widmann – Levy y Daniel Akiva: canciones para voz y guitarra (14/7/2011)
Kantes y tanyres de Jorge Mehaudy (31/07/2008)
The Voice of the Turtle desde las orillas del Cuerno de Oro (03/07/2008)
Jorge Liderman y Aires de Sefarad (19/06/2008)
Alhambra: el arte del canto judeoespañol (05/06/2008)
Betty Klein: Ashkenaz canta ladino (22/05/2008)
Dos creencias, una voz (08/05/2008)
Jazz sefardita: no se pierdan a Ittai Rosenbaum (01/01/2009)
Ariel Lazarus: sefardí de Gibraltar en Israel (15/01/2009)
Judy Frankel: la ashkenazi que cantaba sefardí (29/01/09)
Raphael Yair Elnadav: el yemenita que cantaba sefardí (12/02/2009)
Suvenir: kantigas viejas y muevas de Betty Klein (19/02/2009)
Jill Rogoff: la voz errante (05/03/2009)
Empesijo: el comienzo de Kantika Sefarad (19/03/2009)
Ariadna y Sefarad Ensemble: al este del cielo (14/05/09)
Kat Parra: jazz ¿latino o ladino? (28/05/09)
Arkul: la nueva voz bosnia (25/06/2009)
Anya Jagielska: Lunas olvidadas desde Polonia (11/06/2009)
Isaac Algazi: de Esmirna a Montevideo (9/7/2009)
Nitza Termin: la profunda voz mediterránea israelí (30/06/2011)
Oriente cercano y lejano, de Shuly Nathan (16/6/2011)
Dorit Reuveni: la tradición en Israel (26/05/2011)
Liat Cohen y la nueva música de inspiración judeo-española (12/05/2011)
Lampa Ladino: la lámpara rusa de Aladino (28/4/2011)
Las coplas recogidas por Alberto Hemsi (14/04/2011)
Los secretos del alma de La Roza Enflorese (31/3/2011)
La fantasía de Purím de The Voice of the Turtle (17/03/2011)
Suite Sefarad para dos guitarras, de Jorge Cardoso por Liat Cohen y Ricardo Moyano (03/03/2011)
De Eslovenia, Klarisa Jovanovic y su “Duma Levantina” (17/02/2011)
Ayres de Sefarad: un nuevo grupo argentino (03/02/2011)
Sefarad, grupo de pop turco (06/01/2011)
Esther Lamandier, su arpa y sus cantos (23/12/2010)
Los “Chants Sefarades” del Ensemble Alegría (25/11/2010)
El sueño hebreo, de Axabeba (11/11/2010)
Estreyikas d’Estambol: el único coro infantil en judeoespañol del mundo (28/10/2010)
La “Boda” sefardí de la familia Saltiel (14/10/2010)
Canciones de los Balcanes, con los serbios Shira uTfila (16/9/2010)
Kol Oud Tof Trio canta en haketía (26/8/2010)
Claire Zalamansky y sus cantos de Sefardland (12/08/2010)
Flory Jagoda: lider del renacimiento del repertorio en judeoespañol (29/07/2010)
Yahudije, de Hadass Pal-Yarden (15/07/2010)
Desde Hervás, Retama
Aydanamar: jarchas y coplas de Aurora Moreno (17/06/2010)
La antología de Raíces (03/06/2010)
La Kerensya Sefaradí de Ángel Carril (13/05/2010)
El Romancero de Gal Tamir (29/04/2010)
La cara sefardí de Shir
Benjamín Lapidus y su Pesaj caribeño (01/04/2010)
“Ladino Reflections” de Isaac Azose (11/03/2010)
Desde Turquía, Janet y Jak Esim (18/02/2010)
Mor Karbasi: una joven promesa (4/2/2010)
Kat Parra: Dos amantes (21/01/2010)
Mazal: la fortuna electrónica (7/1/2010)
Ecos sefardíes de Rodas en el nuevo disco de “Arboleras” (24/12/2009)
Concierto de Janucá con The Voice of the Turtle (10/12/2009)
Ana Alcaide: como la luna y el sol (26/11/2009)
Doris Benmamán: de tu boca al cielo (12/11/2009)
Yasmin Levy nos presenta ella misma su nuevo trabajo discográfico, “Sentir” (28/10/2009)
La pionera Gloria Levy (15/10/2009)
Deleon: rock en judeoespañol desde Nueva York (1/10/2009)
Stefani Valadez: el ladino en vivo (17/9/2009)
Rivka Amado: buscando las raíces (3/9/2009)
Magios: Sefarad y el romancero canario (20/8/2009)
El Moustaki israelí (06/08/09)


Mizrají música judía oriental
Itzik Kalla y las canciones de la tradición (04/10/2011)
Zehava Ben: la reina israelí del género oriental (27/9/2011)
Yamulana, de Shushan (20/09/2011)
Lo mejor y lo peor de Margalit (Margol) Tzanani (13/09/2011)
Esfahan Ensemble: entre Irán e Israel (06/09/2011)
Line Monty: la diva judeo-franco-árabe (30/08/2011)
Cheikh el Afrite: el diablillo tunecino (23/8/2011)
Cheikh Raymond: músico y mártir (16/08/2011)
Shesh Besh: con las notas no se juega (02/08/2011)
Lior Narkis: rey de corazones (26/7/2011)
East-West Ensemble: música para la kabalá (19/07/2011)
Diwan Saz: masajes del alma (12/07/2011)
Dudu Tassa & The Kuwaitis: rock árabe en Israel (05/07/2011)
El regalo de Glykeria (28/06/2011)
Maurice el Medioni: del Mediterráneo al Caribe (21/6/2011)
Halla: una producción arabe-israelí (14/06/2011)
Maftirim: la conexión sufí (07/06/2011)
Hanna Jahanforooz: de Teherán a Tel-Aviv (31/05/2011)
Lili Boniche: el innovador de Argelia (24/05/2011)


Festival de Música Sefardí de Córdoba 2008-2012
XIª edición de 2012: Proyecto Davka, Baklavá, Tati Cerviá & Sepharazz Mishpaha; Axivil Aljamía, L’Incantari y Trivium Klemer (15/6/2013)
Xª edición de 2011: Lerner & Moguilevsky, Anna Jagielska-Riveiro, Berry Sakharof y Rea Moshiach, Lafra, Shirá Utfilá, Coro Eli Hoshaná y Paramithia (14/6/2013)
IXª edición de 2010: Hristov, Baet Klezmer, Françoise Atlan, Judith Cohen y Tamar Ilana, y Estreyikas de Estambol (13/6/2013)
VIIIª edición de 2009: Shir, Balkan, Cinco Siglos, Cantigas de Sefarad y Majimaz (12/6/2013)
La VIIª edición en 2008: Zejel, Sefardim, Barahunda y Ana Alcaide (11/6/2013)


Adib Dayikh & Julien Jalaleddin Weiss - L'art sublime du Ghazal. Poèmes d'amour au Bîmâristân d'Alep Vol 1 y 2. 1994. Jondura y locura. Joya, pura joya..





El sanatorio de Alepo

Perdido entre las laberínticas callejuelas de Alepo, la segunda ciudad de Siria, sobrevive polvorienta y semiabandonada una grandes joyas de la arquitectura civil medieval: el bimaristan Al-Arghun. Es, o más bien fue, un sanatorio especializado en enfermos mentales. Inaugurado en 1344, hace dos años aún recibía ocasionales visitas de extranjeros interesados por su insólita y asimétrica estructura arquitectónica. En su interior hay salas cuadradas y octogonales y otras más pequeñas y recónditas, a las que se accede por oscuros pasillos y que estaban destinadas a los enfermos peligrosos.

Por las explicaciones del estudiante de arquitectura que guiaba a los turistas, cabe entender que fue un hospital para gente adinerada. Algo así como una clínica privada de la edad media. De hecho, había sido la residencia privada del gobernador de Alepo antes de convertirse en sanatorio. (Bimaristan, por cierto, es una palabra persa formada por los términos bimar, que significa enfermo, y stan, que significa lugar).

El joven guía solía detenerse con especial interés en el patio central. Está presidido por una majestuosa fuente de piedra. Y sólo algunas estancias desembocan en ese espacio común; son las de los pacientes menos conflictivos. El sonido del agua y el olor de las flores que antaño rodeaban la fuente eran parte de la terapia de los pacientes en igual medida que los medicamentos que se dispensaban en la farmacia de la entrada.

También en aquel soleado patio, varios virtuosos instrumentistas contratados por el propio sanatorio tocaban para los enfermos mentales. Sí, en el siglo XIV, los árabes ya sabían que la música era beneficiosa para esquizofrénicos, lunáticos y deprimidos. El sonido de aquellos instrumentos calmaba sus nervios y los alejaba momentáneamente de sus infiernos interiores. Aquellos recitales vespertinos eran una actividad clave en su proceso de recuperación. La música estaba altamente recomendada por los médicos árabes, aunque sólo unos pocos privilegiados se pudieran permitir el lujoso servicio de la musicoterapia.

En la actualidad, siguen publicándose estudios encaminados en esa dirección: la de demostrar que la música es útil para tratar enfermedades de lo más diverso. Se sabe que puede estimular regiones dañadas del cerebro, que al contener información emocional ejercita la memoria de los enfermos de alzheimer, que al activar el riego sanguíneo es muy beneficiosa para personas que se recuperan de un paro cardíaco… Unos investigadores canadienses incluso afirman que hacer oír música a un bebé prematuro alivia sus dolencias, acentúa su apetito y, por lo tanto, acelera su crecimiento. También es cada día más habitual que un músico confiese que compone canciones para aliviar sus particulares dolencias emocionales.

Viendo la cantidad de gente que asegura hacer música sólo para ahorrarse un psicólogo, pienso que en algún momento de la historia debió producirse un motín en el sanatorio de Alepo. Tal vez algún médico punk convenció a la dirección de que era necesario llevar la musicoterapia un paso más allá e intentar que los propios pacientes tocasen algún instrumento. O quizás, en un arrebato colectivo, los enfermos tomaron el atajo de la automedicación y asaltaron la farmacia de la entrada. Sea como fuere, desde aquel día los enfermos componen canciones y engullen pastillas, convencidos de que lo único (o lo primero) que merece ser curado es su propio interior.

Extramuros del bimaristan, nadie sabe qué ha pasado. Nadie intuye que la vida y las reglas del sanatorio han cambiado por completo. En las calles de Alepo nadie escucha nada porque los pacientes siguen pasando la mayor parte del día cerrados en sus oscuras y herméticas estancias, tocando la guitarra al final de laberínticos pasillos. Los vecinos sólo han detectado que las imponentes puertas de madera y cobre de la entrada ya no se abren cada tarde, como cuando los músicos entraban y salían con sus instrumentos. La música ha dejado de circular de fuera hacia dentro y viceversa. De hecho, ya casi nadie se asoma al patio. Las flores se secaron hace siglos y el agua de la fuente ha dejado de brotar. El sanatorio ha perdido su sentido como espacio de servicio social. Sigue lleno de enfermos, sí, pero la puerta está cerrada por dentro.
Nando Cruz


1. Adib Dayikh - Mode Bayyât Beyâti (20:48)
2. Adib Dayikh - Mode Sabâ (14:03)
3. Adib Dayikh - Mode Sîkâh Huzâm Bayyâtî (15:50)
4. Adib Dayikh - Mode Hijâz Sharqî (12:34)
5. Adib Dayikh & J.J. Weiss - Bayyât Urfâ mode (17:57)
6. Adib Dayikh & J.J. Weiss - Hijâz mode (21:58)
7. Adib Dayikh & J.J. Weiss - Sîkâh Huzâm mode (14:38)
8. Adib Dayikh & J.J. Weiss - Bayyâtî Sharqî mode (9:08)

Aziz Balouch, el precursor del flamenco fusión que dio a conocer Pepe Marchena allá por 1934



Gracias infinitas a El Diván de Nur por descubrirnos esta joya.

Aziz Balouch, la reencarnación de Ziryab

Silvia Calado Olivo

"El indio que canta flamenco, discípulo de Marchena, con su mágico instrumento". Con este subtítulo anunciaba Circo Price el "sorprendente debut de M. A. AZIZ" en Madrid, con cuerpo de letra mayor que a Ramón Montoya y a Niño de Almadén, en su cartel del día 1 de noviembre de 1934. ¿Quién fue ese personaje que aparecía en aquel histórico cartel con traje de chaqueta y turbante, dispuesto a cantar flamenco y presentado con honores? Un librito amarillento rescatado de un mercadillo por un coleccionista desvela el misterio. El musicólogo, místico y cantador paquistaní Aziz Balouch propuso en 'Cante jondo. Su origen y evolución' (Ediciones Ensayos. Madrid, 1955) -un texto que pasa desapercibido para la literatura flamenca- no sólo una relectura de los orígenes del cante flamenco, sino también un ácido análisis del cáncer que atacaba al cante de antaño. De paso, cuenta en clave autobiográfica sus andanzas, las del cantaor sufi apodado Marchenita...

   
    
Hacía apenas un año que había llegado a tierras españolas Aziz Balouch, un joven estudiante pakistaní de música, filosofía y misticismo sufis que, "como todos los niños mahometanos, han oído hablar de la Mezquita de Córdoba o de la Alhambra de Granada y del reino mahometano de Andalucía". Primero le atrajo la mística española: desde Ibn-Arabi a Santa Teresa de Jesús, pasando por San Juan de la Cruz. Y de la mística a la música... Unos amigos que conocían su pasión hispánica le pusieron unos discos de cante jondo, uno de Antonio Chacón y otro de Pepe Marchena. "Al oírlos quedé como en éxtasis espiritual, teniendo la impresión de que en mi vida anterior había sido español y cantaor". Y entonces empezó a atar cabos: Ziryab, el pájaro negro, "que trajo el cante jondo a España era de mi raza y de mi misma provincia", el Sindh, tierras que estuvieron en estrecha conexión con Al-Andalus por la ruta de Damasco en tiempos del califato abasida.

Casualmente, aquellos amigos tenían una casa en Gibraltar y se la brindaron. Y allá que se fue, abandonando sus estudios, en 1933. Cómo contactó con Pepe Marchena, tras verlo cantar en un teatro de La Línea, merece transcripción literal: "Al día siguiente, mis hermanos llamaron a Marchena, diciéndole que tenían una gran sorpresa para él, que era que ellos también poseían un cantador de flamenco, no español, sino de su país de origen, "Sin embargo -le dijeron- te cantará todas las canciones que tú cantaste anoche". Pepe Marchena lo tomó a broma, pues no podía creer que un extranjero fuera capaz de cantar cante jondo. Mis hermanos llevaron a Marchena, en compañía de Ramón Montoya, Angelillo y otros, a su tienda de la calle Real, y desde un rincón de la misma me llamaron para presentármelos. Me pidieron que cantase alguna cosa, e interpreté 'La Rosa' por milonga. Marchena y sus compañeros quedaron tan sorprendidos que no podían creer posible lo que estaban escuchando. A continuación, Pepe Marchena me dijo que si no tenía inconveniente en cantar con él al día siguiente en el Teatro Cómico, de La Línea (...). Acepté encantado, y cuando llegó el momento de actuar en el teatro, fui con un instrumento propio de mi país, parecido al acordeón, llamado harmonium. Marchena me presentó al público, anunciando que iban a llevarse una sorpresa, pues los extranjeros también podían cantar flamenco".

A raíz de aquel debut, pasó a ser discípulo de Marchena y conocido popularmente como Marchenita, sobrenombre que le dio el general franquista Gonzalo Queipo de Llano. El revuelo en la prensa del momento fue inmediato, como constatan los artículos publicados en medios como 'El Anunciador' de Gibraltar, 'Pueblo' de Madrid, el diario 'Sevilla', 'Revista' de Barcelona o 'Levante' de Valencia. Y no menos inmediata la incredulidad ante el fenómeno: "Los periodistas se empeñaron en examinar mi pasaporte para convencerse de mi condición de extranjero oriental, que era legítimo indio y que no hacía el indio". La petición era totalmente comprensible, pues pronto estaba compartiendo glorias en la Corte con su mentor, ciudad a la que llegó de la mano de la cantante y actriz Imperio Argentina con escala previa en la soñada Alhambra granadina. Y no sólo eran los espectáculos promovidos por el empresario Montserrat, sino también las invitaciones a cantar en emisoras como Radio Madrid e incluso a grabar discos en Barcelona con la Compañía Parlophon. Con este sello y con el nombre M. Aziz grabó fandanguillos, malagueñas, colombianas...

    AZIZ BALOUCH - GRANADINA ARABE DEL SIGLO IX + 3 (EP DE 4 CANCIONES) EMI 1962 - EX/VG++ (Música - Discos de Vinilo - EPs - Flamenco, Canción española y Cuplé)
    
El pakistaní, que también aprovechó para participar en tertulias sobre filosofía hindú, no tuvo más remedio que pellizcarse y "permanecer en España, para aprender el idioma y la música clásica española", aleccionado por la propia profesora de Imperio Argentina. De esta formación dedujo un interesante análisis sobre la calidad del cante y los cantaores de la época. Aziz apuesta por el entrenamiento: "No estoy de acuerdo con aquellos que dicen que sólo son capaces de cantar flamenco los que le sale de dentro". Y, de hecho, uno de los apartados de su libro se titula 'La preservación de la voz. Ejercicios generales y régimen de vida que ha de llevar un artista que se dedique al cante jondo'. Como puede sospechar el ávido lector, poca repercusión tuvo el texto, que no sólo recoge consejos sobre la respiración, la higiene de las vías respiratorias y la alimentación, sino hasta sobre lo conveniente de la contención sexual.

Tónico para el espíritu

Tiene explicación. Aziz considera que el cante jondo, al igual que la música indopakistaní, es un vehículo que el hombre debe emplear para comunicarse con dios, pues es -a su entender- una música con carácter sagrado, "un tónico para el espíritu". Comprobar que este punto de vista no era compartido, ni tan siquiera imaginado, por los profesionales del cante da respuesta a su gran pregunta: "¿Por qué el cante jondo no ocupa el puesto que merece entre los géneros musicales? Porque las gentes que cantan, la mayoría de ellos, no lo toman seriamente y no están bien apoyados por el público, excepto por aquellos no iniciados en música".

El estudioso -que también publicó títulos como 'What is sufism (Londres, 1950) y 'Le sufisme, la philosophie de l'amour' (Ginebra, 1953)- lamenta que el flamenco, por aquel entonces, estuviera ligado a borracheras y juergas: "Lástima que se abuse de este cante espiritual de la forma en que están abusando los que se creen cantadores y no hacen más que gritar y desacreditar". La vida disoluta no es su única censura. También considera perniciosas las fusiones internas: "Mezclar los distintos estilos y modulaciones en una misma canción, no consigue más que un daño incalculable al estilo puro, que llegará a perderse por completo si los estilistas del cante no ponen remedio en un futuro inmediato". Y pasa a ilustrar el despropósito con una leyenda sufi: "Cuéntase que Grumanik, el fundador de la antigua religión de los Sikks de la India, tuvo en cierta ocasión una aparición extraña. Se trataba de una figura horrible, con los pies en la cabeza y las manos en los pies... Como Grumanik, lleno de horror por aquella figura demoníaca, le preguntara quién era, respondió ésta que era la Música. "¿La Música? ¿Cómo puede ser?", contestó. "Así me han convertido tus cantantes al mezclar las melodías, dándome la cabeza de una melodía, la cola de otra, el cuerpo de otra dinastía, y así hasta convertirme en este ser monstruoso que soy". La historia se entiende con la información aportada en el capítulo 'La música indo-pakistana', que explica cómo los modos musicales están personificados en ideogramas, componiendo una historia mítica de la música. En su estudio, Aziz llega a poner en relación el árbol genealógico del cante sindhi con el cante jondo, de ahí la aplicación al flamenco de la historia del arrepentido Grumanik.

Árbol genealógico del cante shindhi en sus relaciones con el cante jondo

Retomando las andanzas del paquistaní... Resulta que la Guerra Civil española truncó su fulgurante carrera. Y no fue fácil. A pesar de las recomendaciones de la embajada, instando a los ciudadanos británicos a salir del país, Balouch se empeñó en quedarse... hasta que una bomba del Ejército Nacional lo hirió en la madrileña Plaza de Bilbao. "Decidí marchar para recuperarme, no sólo de las heridas, sino del shock sufrido", eso sí, engañado, pues en la embajada le dijeron que aquello duraría unas dos o tres semanas. Y llegó a Londres, donde retomó sus estudios de música en el London College of Music y en el Trinity College, bajo la batuta de Thorpe Bates. Sin olvidar el flamenco: "Varias veces representé a la música de España en varias secciones de la BBC". Ni la filosofía sufi que difundió mediante la Sindh Sufi Society que él mismo fundó.

Y volvió. En la ciudad del Támesis coincidió con el recién nombrado embajador de Pakistán para España, Syed Miran Mohamed Shah, que le propuso formar parte de su equipo como agregado cultural. Corría el año 1952. Aziz Balouch reanudó sus antiguas amistades -Pepe Marchena, Niño de Almadén, Imperio Argentina, Florián Rey...- y se puso manos a la obra. El 10 de julio de 1952 constituyó la Asociación Amigos del Pakistán, en un acto presidido por el ministro de Educación en los salones de la Biblioteca Nacional. Y cantó "soleares y fandanguillos en lengua pakistana, y Pepe Marchena los cantó en el estilo de nuestra querida Andalucía. El éxito fue tan grande, que merecí la felicitación de todas las personalidades". Periódicos y radios volvieron a hacerse eco del prodigio, al tiempo que las Universidades de Barcelona y Salamanca lo reclamaban para exponer sus teorías sobre la semejanza entre ambas músicas.


Aziz Balouch en un acto en la Biblioteca Nacional

La ruta de Damasco

Aziz hizo, para buscar raíces, un flash-back hasta el año 711 de la era cristiana, cuando, mandados por el califato de Damasco, Mohamed Ben Kassim conquista el Sindh y Tarik Benzyed la península ibérica. "El camino desde Andalucía a Sindh, a través de Damasco, estaba trazado. Músicos, artistas, arquitectos (a los que atribuye un grado de cultural superior a la árabe en aquella época), aprendieron el camino de ida y vuelta, a través del mundo musulmán, llevando como equipaje su sabiduría a los distintos pueblos de la antigüedad árabe. Cuando Ziryab vino de Persia a Andalucía para enseñar su cante a los músicos españoles, ya el camino existía, y no cabe duda de que los españoles sabían viajar, llevando consigo su saber para mostrarlo a los demás. Que llegaron hasta el Sindh es indudable, y los hombres antiguos de mi patria aprenderían a conocer la música que los primitivos españoles tenían antes de la invasión de los árabes, contribuyendo este medio a la más perfecta compenetración de ambos pueblos en la antigüedad". La hipótesis contradice aquella tan extendida que se basa en que los gitanos trajeron los modos musicales de la India en su éxodo hasta Europa desde el Punjab... o da una interesante alternativa. Como apunta, atribuye un papel clave al músico Hassan Ali Ben Nafi Ziryab, enviado por el califa de Bagdag al califa de Córdoba, de quien llega a creer ser su reencarnación y a quien llama "fundador del mundialmente famoso cante jondo". Sobre la diversificación de estilos, cuenta Aziz Balouch que "las gentes de cada provincia de Andalucía recitaban copiando las maneras de Ziryab, y cuando los poetas, siguiendo la costumbre musulmana, llegaban de cada provincia a la corte de Abderrahamán o sus sucesores, recitaban sus poesías, llamándolas con el nombre de procedencia. Así, se anunciaban los poetas de Málaga (malagueñas), los que venían de Sevilla (sevillanas), los de Granada (...). Las poesías regionales eran recitadas, a su vez, de manera especial de cada provincia, aunque en el fondo era la misma melodía".

Y, a parte de los poetas, subraya la importancia de las gentes del campo en el desarrollo del cante jondo: "Como en Pakistán los campesinos recitan sus canciones en sus reuniones personales o en el campo o camino de su trabajo (...), así los campesinos andaluces, bien en sus reuniones o cuando van al trabajo andando o sobre sus caballerías, cantan sus coplas siguiendo su propia inspiración y según el estado de ánimo en el que se encuentran en ese día. Con diferentes palabras, vienen a expresar las mismas melodías y las mismas canciones, siguiendo una tradición que tiene muchos siglos, de tiempo inmemorial". Aprovecha en esta disertación para lanzar algún que otro desmentido, como por ejemplo, el del gen norteafricano: "Pese a su proximidad con España, los marroquíes mahometanos no han producido virtualmente ningún cante flamenco". Y para, incluso, aportar posibilidades etimológicas distintas a las tan reiteradas: "La palabra "jondo" bien pudiera derivarse de las voces del idioma "sindhi" gind, que significa alma (cante del alma), o bien del "hindu" indostánico, como haciendo relación a su origen". Todo está encaminado a ilustrar la teoría de que "el cante grande español está completamente identificado con la música folclórica sufi".

¿Tuvo alguna repercusión el análisis que Aziz Balouch realizó durante más de veinte años sobre el origen y evolución del cante jondo? La llamada flamencología, constancia escrita no deja de ello: apenas la breve referencia al autor recogida en el 'Diccionario Enciclopédico Ilustrado del Flamenco' de Blas Vega y Ríos Ruiz; y alguna que otra pasajera alusión al músico como ejemplo de precedente del flamenco fusión. Obviemos citar posibles motivos. En el ámbito artístico, aún menos. Crematística y mística suelen ser tan antagónicas, salvo honrosas excepciones, como cante y canto. Ciertamente M. Aziz Balouch fue menos afortunado y menos influyente que Ziryab como docente. De la memoria depende -y, ojalá, de una milagrosa reedición- que su trabajo pase del simple anecdotario, a enriquecer el de por sí pobre corpus teórico flamenco.

Nota. El rastro de Muhammad Aziz Balouch se pierde en su propia obra. Tras realizar numerosas pesquisas sabemos que el autor, acreditado referente teórico sufi, fue galardonado en 2002 por el Gobierno pakistaní con el 'Civil Award for Pride of Performance for Art (Folk Music)', según recoge la versión digital de 'The News International'.



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